Arquitectura Barroca
Carlos Paul
La Arquitectura Barroca
Es un período de
la historia de la
arquitectura que vino precedida del Renacimiento y del Manierismo; se
generó en Roma durante el siglo XVIIy se extendió hasta mediados del siglo XVIII por los Estados absolutistas europeos.
El término Barroco, derivado
del portugués "barru",
"perla de forma diferente o irregular", se utilizó en un primer
momento de forma despectiva para indicar la falta de regularidad y orden del
nuevo estilo. La característica principal de la arquitectura barroca fue la
utilización de composiciones basadas en puntos, curvas, elipses y espirales, así
como figuras policéntricas complejas compuestas de motivos que se intersectaban
unos con otros. La arquitectura se valió de la pintura, la escultura y
los estucados para crear conjuntos artísticos teatrales y
exuberantes que sirviesen para ensalzar a los monarcas que los habían
encargado.
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| Stift Melk, Wachau, Austria. |
En algunos
países europeos como Francia e Inglaterra y en otras regiones de la Europa septentrional
se produjo un movimiento más racionalista derivado directamente del
Renacimiento que se denominó Clasicismo
barroco. A lo largo del siglo XVIII se fue desarrollando en Francia un movimiento
derivado del Barroco que multiplicaba su exuberancia y se basaba
fundamentalmente en las artes decorativas que se denominó Rococó y se acabó exportando a buena parte de Europa.
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| Fachada de Il Gesù, considerada la primera iglesia con elementos del Barroco. |
Contrariamente a
las teorías según las cuales el movimiento barroco surgió a partir del Manierismo, fue el Renacimiento tardío el movimiento que acabó
desencadenando en último término el Barroco. De hecho, la arquitectura
manierista no fue suficientemente revolucionaria para evolucionar radicalmente,
en un sentido espacial y no sólo superficial, a partir de los estilos de la
antigüedad a los nuevos fines populares y retóricos de la época del contrarreformismo.
Ya en el siglo XVI, Miguel Ángel Buonarrotihabía anunciado el Barroco de una forma
colosal y masiva en la cúpula de la Basílica de San Pedro de Roma, así como
las alteraciones en las proporciones y las tensiones de los órdenes clásicos
expresados en la escalera de acceso a la Biblioteca Laurenciana de Florencia, del mismo autor, y la enorme cornisa añadida
al Palacio Farnese. Estas intervenciones habían suscitado
diversos comentarios en su época por su brusca alteración de las proporciones
clásicas canónicas. No obstante, en otras obras Miguel Ángel había cedido a la
influencia manierista, por lo que fue sólo tras el fin del Manierismo cuando se
redescubrió a Miguel Ángel como el padre del Barroco.
El nuevo estilo se
desarrolló en Roma, y alcanzó su momento álgido entre 1630 y 1670; a partir
de entonces el Barroco se extendió por el resto de Italia y
de Europa.
La influencia del
Barroco no se limitó al siglo XVII; a principios del siglo XVIII se desarrolló el
estilo denominado Rococó, que no siendo una pura continuación del primero podría
ser considerado como la última fase del Barroco.
Características Generales
§ Mantuvo
la simetría de la arquitectura renacentista.
§ Columnas
torcidas, muchas veces solo decorativas y no de soporte como en la antigua
Grecia y Roma.
§ Abundan
las líneas curvas más que las rectas.
§ Detalles
de decoración altamente ornamentados.
§ Sensación
de movimiento en las formas.
§ Torres
y cúpulas o domos.
§ Abundancia
de ventanas.
§ Edificios
estructurados en amplias naves
§ Ilusiones
ópticas
§ Integración
de la arquitectura y la pintura
§ Interiores
decorados con magníficos frescos en cielos rasos y muros.
Otras
características resaltantes destacan que las fachadas adquieren la mayor
relevancia ya que es en ellas donde se puede expresar todo el arte y la
conjunción de la escultura para crear la obra. En las fachadas barrocas se
vuelcan los mayores empeños ornamentales o decorativos mediante numerosas
cornisas y re-interpretaciones de columnas griegas o romanas, muchos críticos
consideran que el barroco es más un estilo decorativo que arquitectónico ya que
en muchas obras prevalecen más los elementos decorativos que constructivos. En
cuanto al diseño de los templos se refiere éstos estaban distribuidos con una planta
arquitectónica en forma de cruz ya que las plantas arquitectónicas con formas
circulares estaban mal vistas ya que en aquel tiempo se consideraban paganas.
Pero no solamente podemos encontrar el barroco en templos, los edificios
gubernamentales de la época también se construyeron bajo este estilo y podemos
encontrar los ejemplos en los palacios de Luxemburgo y el famoso palacio de
Versalles símbolo del absolutismo francés. Podemos resumir el estilo barroco en
los siguientes puntos:
·
Exaltación de lo monumental y lo religioso.
·
La búsqueda de fachadas vivas, por eso se incluían
esculturas en las fachadas.
·
El gusto por la teatralidad y lo escenográfico
·
Tendencia a mezclar las diferentes disciplinas
artísticas
Obras
más resaltantes
Plaza
de San Pedro
La Plaza de San Pedro y sus
imponentes columnas con 140 estatuas de santos son obra de Gian Lorenzo Bernini (1598-1680)
que estaba junto a Francesco
Borromini uno de
los arquitectos más destacados de la época barroca. También construyó
la fuente izquierda en gran parte siguiendo el diseño de la fuente anterior de
Carlo Maderno (a la derecha) para crear una simetría. En el centro de la plaza
se encuentra un antiguo obelisco egipcio que fue erigido en su sitio actual en
1586 por Domenico Fontana.
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| Plaza de San Pedro, Vaticano |
La forma de la plaza es la de una elipse
perfecta de 240 metros de longitud, circundada por la majestuosa Columnata
exenta de Bernini, compuesta de 244 columnas dóricas distribuidas en dos brazos
curvos (concebidos como símbolos de la
Iglesia que acoge a los peregrinos y de la capitalidad universal de la Roma
papal) y con un entablamento recto, alineadas en cuatro filas, y
coronadas por 140 estatuas de Santos y Mártires. A los lados se encuentran dos
fuentes grandiosas realizadas por Maderno y Bernini. En el centro de la Plaza
se eleva el Gran Obelisco Egipcio,
colocado en 1586, en cuyo punto más elevado se encuentra una reliquia de la Santa Cruz.
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| Configuracion Arquitectonica de la Plaza de San Pedro |
La larga serie de las estatuas representan a
la Iglesia triunfante en
relación con la Iglesia militante,
es decir, a la multitud de fieles que rezan en la plaza.
Esta plaza
de San Pedro, en el Vaticano, no sólo es una manifestación artística de primera
magnitud que culmina las concepciones del Barroco plasmadas por Bernini, quien
siguiendo el mandato e intencionalidad del papa Alejandro VII -el cual trata de
hacer de la arquitectura el modo más evidente de exhaltación del poder estatal
del pontífice- diseñó de la Plaza de San Pedro, con el fin de crear un sitio
capaz de acoger grandes congregaciones de fieles.
Palacio
de Versalles
El palacio de Versalles, uno de los grandes palacios
construidos siempre es el mejor ejemplo de arquitectura barroca secular. Por encargo de Luis XIV (1643-1715) en la década de
1660, la mayor parte del palacio incluyendo su espectacular Salón de los Espejos fue diseñado
por el arquitecto
Jules Hardouin-Mansart. Sucesores del
Rey Sol hicieron algunas adaptaciones, pero el magnífico palacio y sus jardines
son tan impresionantes como lo fueron en la época de Luis XIV. Desde 1837, el
palacio de Versalles está abierto al público como museo.
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| Vista interior del palacio de versalles |
El conjunto de
Versalles se inició en 1661 con la ampliación del Palacio Real a cargo del
arquitecto Louis Le Vau. Los jardines fueron proyectados por André Le Nôtre,
quien supervisó la obra durante más de treinta años. A estos creadores se
agregaría posteriormente el arquitecto Jules Hardouin-Mansart quien agrega las
largas alas laterales del palacio que dividen el vasto conjunto en dos mitades
con el palacio en el centro, los jardines de un lado y la ciudad del otro. El
palacio quedó conformado por una profunda herradura que encierra el patio de
honor, a sus lados la citadas alas terminan de constituir un frente de más de
cuatrocientos metros de fachada, con no menos de 123 ventanas en cada piso que
miran a un parque de varios kilómetros de largo y de ancho, poblado de
esculturas, estanques, un canal en cruz cuyos brazos miden poco más de un
kilómetro cada uno, fuentes y una naturaleza sometida al rigor geométrico del
diseño.
Desde el court central del palacio, parten hacia la ciudad tres
avenidas, siendo la central la avenida de París, que conecta con el palacio del
Louvre en el otro extremo. El trazado de los jardines se basa en un sistema de
recorridos radiales y "rond-points", de modo que ambas partes se
caracterizan por perspectivas infinitas que tienen como centro el palacio. Todo
el paisaje circundante se convierte en parte de este sistema aparentemente
ilimitado. Para acentuar aun más la extensión, la topografía natural ha sido
transformada en una serie de terrazas planas con grandes espejos de agua.
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| Palacio de Versalles |
Iglesia
San Carlos Borromeo, Viena
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| Iglesia San Carlos Borromeo, Viena |
Esta hermosa iglesia barroca es uno de los
edificios más admirados de Viena. Fue encargada por el emperador Carlos VI
(1685-1740), quien se comprometió a construir una iglesia después del último
gran brote de peste en el siglo 18. La
iglesia de San Carlos Borromeo fue construida entre 1716 y 1737
después de que el diseño del arquitecto
austriaco Johann Bernhard Fischer von Erlach (1656-1723)
ganara el concurso para el diseño de la iglesia. Murió antes de la
finalización de su obra maestra que fue terminada por su hijo Joseph Emanuel.
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| Interior de la Iglesia |
Es uno
de los mejores ejemplos constructivos que combinan elementos barrocos y rococós. Se encuentra
situada en la ciudad de Viena cerca de la Ringstrasse.
El emperador construyó un templo en honor a San
Carlo Borromeo que había sido arzobispo de Milán y uno de los santos
protectores durante las epidemias de peste que se sufrieron en el siglo XVI.
Cuando una nueva epidemia asoló la ciudad de Viena en 1713 Carlos IV prometió
que tan pronto como acabara la peste construiría un templo en honor al santo.
De
la zona exterior es importante señalar el planteamiento
urbanístico que el artista barroco planteó para este conjunto;
frente a la iglesia se encuentra una gran plaza ocupada por una gran fuente
ovalada, los extremos de la fachada de San Carlo coinciden con la sección
horizontal de la fuente y ésta actúa como precedente del templo, de manera que
consigue a su vez aislarlo de la ciudad e integrarlo en la propia estructura de
la plaza.
Al
interior destacan los múltiples retablos
y tallas de estilo barroco y rococó que conmemoran al santo patrón.
En este sentido debemos destacar los frescos de la cúpula realizados por
Rottmayr o el altar mayor realizado por lberto Camesina y Maximilian Brokoff,
en el que se pueden apreciar las influencias de obras italianas como El éxtasis
de santa Teresa de Bernini.
Catedral
de San Pablo, Londres
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| Cúpula Catedral San Pablo, Londres |
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| Vista interior de la Catedral San Pablo, Londres |
Construida sobre
un terreno de una iglesia anterior que fue severamente dañada en el gran
incendio de Londres en 1666, la
catedral de San Pablo es ampliamente considerada como una de los
mejores ejemplos de la arquitectura
barroca Inglés. El diseño es obra del célebre arquitecto Inglés Sir Christopher Wren (1632-1723),
que también se encargó de reconstruir más de 50 iglesias que fueron dañadas en
el gran incendio y muchos edificios civiles notables en toda Inglaterra. A
partir de 1710 cuando se completó hasta 1962, La Catedral de San Pablo fue el edificio más alto de
Londres.
Su elemento llamativo es la gran cúpula central. Esta
cúpula exteriormente está recubierta de plomo y se apoya en una estructura
ligera de madera de más de 30 metros de diámetro. Pero para ganar altura se
eleva sobre un tambor que es de mayor diámetro. Es precisamente este tambor con
peristilo el que le confiere su característico perfil apuntado, que todavía se
potencia más con la linterna que corona el conjunto.
Arquitectos más resaltantes
Francesco Borromini
1599-1667
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| Franceso Borromini |
Arquitecto italiano. Trabajó como cantero en
las obras de la catedral de Milán, antes de trasladarse a Roma en 1619, donde
fue cincelador en el taller de Carlo Maderno, quien lo introdujo en el
mundo de la arquitectura romana al tomarlo como colaborador para la realización
de obras como el palacio Barberini.
Cuando Bernini triunfaba ya como arquitecto y
empezaban a desplegarse las formas del Barroco, Borromini recibió su primer
encargo en solitario: el conjunto de San Carlo alle Quattro Fontane, ligeramente
anterior al convento de los filipenses. Bastaron estas dos obras para hacer de
Borromini un arquitecto reconocido y con un estilo muy bien definido, en el que
las superficies curvas (cóncavas, convexas, elípticas, sinuosas) dan fluidez al
conjunto arquitectónico, tanto en el exterior como en el interior, a veces con
un carácter suave y en otras ocasiones con mayor dramatismo. Se alejó de las
tendencias de su época en los interiores a base de paredes meramente revocadas,
con sencillas ornamentaciones, a menudo doradas, ensambladas a la perfección
con las formas arquitectónicas.
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| Pietro Berrettini de Cortona |
Pietro Berrettini da
Cortona 1596-1669
Pintor
y arquitecto italiano. Es una de las personalidades más significativas del
Barroco romano. Hacia 1624 empezó a trabajar para la familia Barberini, para la
que pintó El triunfo de la Divina Providencia en la bóveda del palacio
Barberini (Roma). Asimismo, realizó, también en Roma, la decoración de la
bóveda de la galería del palacio Pamphili (Historia de Eneas). De su obra
arquitectónica, destacan las fachadas de Santa Maria della Pace y de Santa
Maria in Via Lata.
Bernini (1598-1680)
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| Bernini |
Gian Lorenzo Bernini, escultor y arquitecto,
fue el máximo representante de la escultura y la arquitectura barroca en la
Roma del siglo XVII. Basaba su reconocimiento en un estilo propio y distintivo,
un dominio de la técnica que rayaba el virtuosismo y la increíble expresividad
en los gestos, movimientos y expresiones de sus esculturas.
Fue reconocido como uno de los genios capaces
de dar vida al mármol a pesar de su falta de una educación académica reglada.
Su formación se forjó en el taller de su padre, escultor de origen florentino,
que se trasladó a Roma. Sabía leer y escribir, pero poco más.
Materiales Más Usados en la
Arquitectura Barroca
En determinados algunos edificios,
especialmente en los interiores, se emplea el mármol de colores para subrayar
la suntuosidad y el lujo, tan querida por la teatralidad barroca.
La piedra (La piedra Sillar fue la mas
usada)
El ladrillo
El estuco
Entre otros materiales..
En ciertas ocasiones se emplea el bronce para ciertos elementos, cuando se pretende destacar el carácter decorativo de columnas, etc. Se utilizan todos estos materiales a la vez en un mismo edificio, lo que consigue efectos de suntuosidad y complejidad ornamental.
Referencias Bibliográficas
Arquitectura Moderna e Internacional
La arquitectura neoclásica
es un estilo arquitetónico que produjo
el movimiento neoclásico que comenzó a
mediados del siglo XVIII, por una reacción
contra el estilo barroco de
ornamentación naturalista así como por el resultado de algunos rasgos clacisistas nacidos en e barroco tardío. Se
prolongó durante el siglo XIX, confluyendo a partir de entonces con otras
tendencias, como la arquitectura historicista y el eclicticismo arquitectónico. Algunos
historiadores denominan el periodo de la arquitectura neoclásica de la primera
mitad del siglo XIX como clasicismo romántico, a pesar del oximoron (oposición de
términos), dado que, además de coincidir en el tiempo con el romanticismo estilísticamente
comparte rasgos con la estética romántica, al añadir cierta expresividad y
espíritu exaltado a la sencillez y claridad de las edificaciones clasicas
Este estilo de arquitectura reproduce las formas generadas por los griegos y los
romanos, más no tarda en suprimir toda referencia a las medidas del cuerpo,
prefiriendo el nuevo sistema métrico adoptado por los franceses y favoreciendo
la monumentalidad. Usa los símbolos y motivos redescubiertos en los muebles y
edificios de Pompeya y Herculano. Bajo el liderazgo de la revolución francesa
primero y de Napoleon después, se
construyen edificios romanos en Francia y en las capitales de Europa y America. Después del barroco y del Rococo, el neoclasicismo
representa una simplificación: las líneas rectas dominan sobre las curvas,
existen menos contrastes de volúmenes, menos adornos. La simetría se
generaliza, dinteles y columnas reemplazan los arcos. Los frontones
triangulares substituyen los circulares y las balaustradas reaparecen sobre los
edificios.
tuvo su origena mediados del siglo XVIII, por una reacción contra el estilo barroco,
se prolongó durante el XIX. Uno de los factores más influyentes para el
desarrollo de la arquitectura neoclásica fue la revolución industrial, la cual
modifico radicalmente el estilo de vida de esa época, influyo en adelantos
técnicos, científicos por lo tanto en el desarrollo de nuevos materiales de
construcción y planeación de la organización espacial se extendió por la mayor
parte de Europa aunque tardo bastante la transición de barroco a neoclásico.
Características de la Arquitectura Neoclasica
- Se inspira en los monumentos de la antigüedad
grecorromana.
- Concepto de belleza basado en la pureza de las
líneas arquitectónicas, en la simetría y en las proporciones sujetas a las
leyes de la medida y las matemáticas.
- Reacciona contra los efectos decorativos del
barroco y el rococó.
- Gusto por la sencillez, con predominio de lo
arquitectónico sobre lo decorativo.
- Emplea elementos básicos de la arquitectura
clásica: columnas, ordenes dórico y jónico, frontones, bóvedas, cúpulas,
etc.
Modernismo Arquitectura
La arquitectura modernista representa la
transición de la arquitectura decimonónica a la arquitectura del S. XX. Su
denominación implica la idea de innovación, novedad y proyección de futuro. El
precedente hay que buscarlo en Williams Morris y en la Red House (Casa Roja).
Él fue el verdadero inspirador de los "Arts and Crafts", movimiento
que se caracteriza por la revalorización del trabajo artesanal frente a la
deshumanización de la producción industrial y que poco a poco irá derivando en
el Modernismo, que intenta la renovación y mejora artesanal aplicándolo a la
máquina.
El modernismo es un estilo estético típicamente urbano. Busca
unas formas más refinadas que las ofrecidas por la producción industrial,
compaginando funcionalidad y belleza en un intento de crear una ciudad
agradable, elegante, moderna y alegre. Es una manifestación burguesa con un
fuerte componente ornamental inspirado en la naturaleza, la flora y la fauna.
Rechazan los
esquemas simétricos en pro de lo ondulado, que transmite vitalidad, fuerza,
asimetría e irregularidad. Se intenta expresar un componente de optimismo, que
corresponde al estado psicológico de la clase social. Adquiere gran importancia
el diseño y el deseo de integración de todas las artes, lo que convierte a los
edificios de arquitectura modernista en obras muy atractivas.
En cuanto a
los planteamientos arquitectónicos se trata de utilizar los nuevos materiales
hasta las últimas consecuencias, no sólo por su utilidad espacial sino también
por sus posibilidades expresivas. En lugar de copiar las formas clásicas
(columnas, frontones, etc.) se busca la inspiración en los procesos y las
formas de la naturaleza. Esta admiración por la naturaleza no se limita a la
decoración sino también a la planta y a la estructura del edificio, concebido
como un organismo vivo coherente en todas sus partes.
Arquitectos Mas Resaltantes
Antoni Gaudí i Cornet,
Conocido en español como Antonio Gaudí (Reus o Riudoms, 25 de junio de 1852-Barcelona, 10 de junio de 1926), fue un arquitecto español,
máximo representante del modernismo catalán.
Dotado de una fuerte
intuición y capacidad creativa, Gaudí concebía sus edificios de una forma
global, atendiendo tanto a las soluciones estructurales como a las funcionales y decorativas.
Estudiaba hasta el más mínimo detalle de sus creaciones, integrando en la
arquitectura toda una serie de trabajos artesanales que dominaba él mismo a la
perfección: cerámica, vidriería, forja de hierro, carpintería,
etc. Asimismo, introdujo nuevas técnicas en el tratamiento de los materiales,
como su famoso trencadís hecho con piezas de cerámica de
desecho.
Gaudí desembocó en el modernismo en su época de mayor
efervescencia, entre finales del siglo xix y
principios del xx.
Sin embargo, el arquitecto reusense fue más allá del modernismo ortodoxo,
creando un estilo personal basado en la observación de la naturaleza, fruto del
cual fue su utilización de formas geométricas regladas, como el paraboloide hiperbólico, el hiperboloide,
el helicoide y el conoide.
La arquitectura de Gaudí
está marcada por un fuerte sello personal, caracterizado por la búsqueda de
nuevas soluciones estructurales, que logró después de toda una vida dedicada al
análisis de la estructura óptima del edificio, integrado en su entorno y siendo
una síntesis de todas las artes y oficios. Mediante el estudio y la práctica de
nuevas y originales soluciones, la obra de Gaudí culminará en un estilo
orgánico, inspirado en la naturaleza, pero sin perder la experiencia aportada
por estilos anteriores, generando una obra arquitectónica que es una simbiosis
perfecta de la tradición y la innovación.
William Morris
(Walthamstow, Inglaterra, 24 de marzo de 1834-3 de octubre de 1896) fue un arquitecto, diseñador y maestro textil, traductor, poeta, novelista y activista socialista. Asociado con el movimiento británico Arts and Crafts, fue uno de los
principales promotores de la reactivación del arte textil tradicional
manteniendo, recuperando y mejorando los métodos de producción artesanales
frente a la producción en cadena e industrial. Fue un gran defensor de la
conservación del patrimonio arquitectónico religioso y civil. Sus aportaciones
literarias contribuyeron a extender el género moderno de la fantasía. Desempeñó
un importante y muy activo papel en la propaganda y difusión, mediante
escritos, mítines y conferencias, del incipiente movimiento socialista británico.
Charles-Édouard
Jeanneret-Gris (Le Corbusier)
más conocido, a partir de la década de 1920, como (La Chaux-de-Fonds, Cantón de Neuchâtel, Suiza, 6 de octubre de 1887-Roquebrune-Cap-Martin, Provenza-Alpes-Costa Azul, Francia, 27 de agosto de 1965), fue un arquitecto y
teórico de la arquitectura, urbanista,
decorador de interiores, pintor, escultor y hombre de letras suizo nacionalizado francés en
1930.
Es considerado uno de los más claros exponentes de la arquitectura moderna (junto con Frank Lloyd Wright, Oscar Niemeyer, Walter Gropius, Alvar Aalto, Richard Neutra, Ludwig Mies van der Rohe y Theo van
Doesburg), y uno de los arquitectos más influyentes del siglo XX.
Además de ser uno de los más grandes renovadores de la arquitectura moderna,
fue un incansable agitador cultural, labor que ejerció con pasión a lo largo de
toda su vida. Con sus escritos se ganó una merecida fama de polemista y aportó
un verdadero caudal de ideas innovadoras que han hecho que su obra influya
decisivamente en la arquitectura posterior.
El 15 de marzo de 2006 parte de la «Obra arquitectónica de Le Corbusier
– Contribución excepcional al Movimiento Moderno» fue inscrito
como Patrimonio de la Humanidad, en la
categoría de bien cultural (nº. ref. 1321rev), un amplio conjunto transnacional
—en siete países: Alemania, Argentina, Bélgica, Francia, India, Japón y Suiza—
que comporta la protección de 17 sitios individuales (algunos con varios
inmuebles).
Ludwig
Mies van der Rohe
(Aquisgrán, Alemania, 27 de marzo de 1886—Chicago, Illinois, 17 de agosto de 1969) fue un arquitecto y diseñador industrial germano-estadounidense. Junto a Walter Gropius, Frank Lloyd Wright y Le Corbusier, es ampliamente reconocido como uno de los pioneros de la arquitectura moderna.
Arquitecto
innovador en Alemania durante la República de Weimar, fue el
último director de la Bauhaus, una escuela de arte y arquitectura germen
de la arquitectura moderna. Con el ascenso del nazismo al poder, que
se oponía frontalmente a la modernidad que esta escuela
representaba y ordenó
su cierre, Mies emigró a Estados Unidos. Allí aceptó el puesto de director de
la escuela de arquitectura del Instituto de Tecnología de Illinois en Chicago.
Mies
buscó establecer un nuevo estilo arquitectónico que pudiera representar a los
tiempos modernos como ya hicieron el clasicismo y el gótico por
sus respectivas épocas. Así, creó una influyente arquitectura propia del siglo
XX, expuesta con extrema claridad y sencillez. Sus proyectos de madurez usan
materiales modernos como acero industrial y grandes láminas de vidrio para
definir espacios interiores. Persiguió una arquitectura con estructuras mínimas
destinada a crear espacios abiertos que fluyen sin obstáculos. Se refería a sus
obras como arquitectura de «piel y huesos». Dejó como legado unos nuevos
cánones arquitectónicos que expresan el espíritu de la era moderna y a menudo
se le asocia con la cita de dos aforismos: «menos es más» y «Dios está en los detalles».
Richard
Meier
(1934)
es un arquitecto estadounidense galardonado entre otros con el Premio
Pritzker y la Medalla de oro de American Institute of Architects. Sus
obras se han centrado principalmente en museos, grandes mansiones, templos y
oficinas, en los que destaca la luz de sus espacios y el uso del color blanco,
en donde los espacios armonizan con la naturaleza circundante.
Desde
el principio, Meier ha seguido una línea determinada y permanente en sus
proyectos. Ha dejado de lado las tendencias pasajeras y las modas, y se ha
mantenido fiel a sus ideas. Aunque sus edificios más recientes muestran un
refinamiento respecto a los iniciales, siguen siendo de un mismo estilo
inconfundible, en los que Meier concede siempre la misma importancia a la
claridad de líneas, a la armonía, a los espacios y a la luz. La organización de
sus edificios se basa en tramas geométricas que obedecen a condicionantes de su
entorno, y le ayudan en el ordenamiento de los espacios interiores y
exteriores. En su inmensa mayoría, los edificios de Meier son blancos, el color
que considera el más puro ya que reúne a todos los demás y va cambiando de
tonalidad durante el día.
Según
manifiesta Meier, Le Corbusier ha ejercido una gran influencia sobre
él, al igual que Frank Lloyd Wright. Pero también otros arquitectos han
sido una referencia para su trabajo. No obstante, considera que la arquitectura
es una disciplina que se encuentra en un continuo flujo, por lo que van
cambiando con el paso de los años los arquitectos que marcan estilos y que
influencian a los demás.
Obras
del Arte Moderno Europeo
Casa
Amatller
Muestra
las diferentes fuentes de inspiración del arquitecto, románico, gótico, siglo
XVI, barroco y algunas influencias foráneas, como el coronamiento de la fachada
que recuerda a las casas medievales de los Países Bajos. La fachada es una
unidad que surge de la combinación del hierro, la piedra y la policromía con la
austeridad del esgrafiado, amarillo y blanco, que repite un solo dibujo.
El parque Güell
parc
Güell en catalán y Park Güell en su denominación
original) es un parque público con jardines y elementos arquitectónicos situado
en la parte superior de la ciudad
de Barcelona (España). fue diseñado por
el arquitecto Antoni Gaudí, máximo exponente del modernismo
catalán, por encargo del empresario Eusebi Güell. Construido entre
1900 y
1914, fue inaugurado como parque público en 1926.
El parque Güell es un
reflejo de la plenitud artística de Gaudí: pertenece a su etapa naturalista (primera
década del siglo xx),
período en que el arquitecto perfeccionó su estilo personal, a través de la
inspiración en las formas orgánicas de la naturaleza,
para lo que puso en práctica toda una serie de nuevas soluciones estructurales
originadas en sus profundos análisis de la geometría
reglada. A ello añade el artista catalán una
gran libertad creativa y una imaginativa creación ornamental: partiendo de
cierto barroquismo sus
obras adquieren gran riqueza estructural, de formas y volúmenes desprovistos de
rigidez racionalista o
de cualquier premisa clásica. En
el parque Güell desplegó Gaudí todo su genio arquitectónico y puso en práctica
muchas de sus innovadoras soluciones estructurales que serían emblemáticas de
su estilo organicista y que culminarían en la Sagrada
Familia.
Casa Weissenhofsiedlung de Stuttgart
fue
una exposición de arquitectura moderna realizada por
encargo del Deutscher Werkbund, que
bajo la dirección de Mies van der Rohe, promovió la realización de una treintena de
actuaciones singulares (básicamente viviendas unifamiliares, pero también
bloques y viviendas pareadas o en hilera) en un área de la entonces periferia
de Stuttgart, en 1927.
La
lista inicial de arquitectos sufrió diversas modificaciones: Tras unas
profundas discrepancias, Hugo Häring (que hasta entonces compartía estudio con
Mies) rechazó su participación. También la dejaron los inicialmente
incluidos Heinrich Tessenow y Erich Mendelsohn. Finalmente, Bruno Taut, Hans Poelzig y Hans Scharoun se incorporaron como
sustitutos.
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| Obra representativa arte Moderno |
Los participantes definitivos
fueron: Peter Behrens, Victor Bourgeois, Le Corbusier & Pierre Jeanneret, Richard Döcker, Josef Frank, Walter Gropius, Ludwig Hilberseimer, J.J.P Oud, Hans Poelzig, Adolf Rading, Hans Scharoun, A. G. Schneck, Mart Stam, Bruno Taut, Max Taut y Ferdinand Kramer.
Casi todos eran alemanes, con las excepciones de Bourgeois (Bélgica), Le
Corbusier (Suiza), Frank (Austria) y Oud (Holanda). Asimismo, casi todos eran
miembros del grupo Der Ring.
La muestra estaba integrada a la
exhibición temporal de la Werkbund Die
Wohnung (La Vivienda) que fue diseñada en gran medida por Lilly Reich quien además había equipado los departamentos
realizados por Mies van der Rohe. En estas salas se expusieron los más
importantes avances de la industria alemana con respecto al tema, entre ellos
la Cocina de
Frankfurt de Margarete Schütte-Lihotzky.1
La Weissenhofsiedlung (o
Weissenhof Siedlung) de Stuttgart tuvo una extraordinaria importancia en el
establecimiento del canon moderno, y así la recogieron posteriormente Philip Johnson y Henry Russell Hitchcock en su
exposición Modern Architecture:
International exhibition (MoMA,
1932) y en la simultánea publicación The International Style: Architecture since 1922. Posteriormente,
la imagen de su arquitectura blanca fue utilizada en un cartel propagandístico
nazi, que la presentaba como un poblado árabe.
Art Nouveau
Es un movimiento artístico que surge a fines del siglo XIX y se
proyecta hasta las primeras décadas del siglo XX. Generalmente se expresa en la
arquitectura y en el diseño
Se podría afirmar que es un estilo decorativo desarrollado durante la Belle époque en Europa y Estados Unidos. Toma su nombre a raiz de una exposición que realiza Munch en la galería parisina "La maison del Art Nouveau", diseñada por Siegfrid Bing (1838-1905), aunque se conoce con distintos nombres según los países: modernismo en España, Jugendstil en Alemania, Sezession (en Austria), Liberty en Inglaterra, Floreale en Italia, modernisme o Estilo modernista en Cataluña etc.
Se podría afirmar que es un estilo decorativo desarrollado durante la Belle époque en Europa y Estados Unidos. Toma su nombre a raiz de una exposición que realiza Munch en la galería parisina "La maison del Art Nouveau", diseñada por Siegfrid Bing (1838-1905), aunque se conoce con distintos nombres según los países: modernismo en España, Jugendstil en Alemania, Sezession (en Austria), Liberty en Inglaterra, Floreale en Italia, modernisme o Estilo modernista en Cataluña etc.
Recurría a líneas sinuosas y composiciones asimétricas. Los motivos más frecuentes eran flores, hojas y la figura femenina. Se aplicó al diseño de interiores, joyas, forja, vidrio, cerámica, telas y, sobre todo, a la ilustración, que alcanzó gran popularidad gracias al invento de la litografía.
Principios del Art Nouveau:
- Radica en una auntencidad que inicia desde su epoca
- Es el primer movimiento que se desprende casi por completo de la
imitación de estilos anteriores (Renacimiento, Barroco, Neoclasicismo,
Romanticismo, etc.) en busca de la identidad de lo urbano y lo moderno,
puesto que nacía un nuevo siglo.
- Utiliza técnicas que le son propias: la reproducción mecánica, como
la xilografía, el cartelismo, la impresión...
- Estéticamente resultan imágenes planas, lineales, ornamentales, que
se reducen a una economía de medios que las dota de singular belleza, se
alejan de la figuración para centrarse en el mero adorno, muy cerca del
diseño industrial
- Las únicas conexiones estilísticas que se le pueden encontrar son
las del Prerrafaelismo del último Romanticismo inglés, y el Movimiento
llamado Artes y Oficios. A su extraordinaria difusión contribuyó lo
agradable y fácil de su lectura, ayudada por el inicio de la revista
ilustrada y las exposiciones internacionales, dos hechos que aparecen en
la década de 1890. · toma sus orígenes de Gothic Reviaval, el movimiento Art Grafts, la construcción del hierro, la moda de los objetos ornamentales.· Los motivos más frecuentes eran flores, hojas y la figura femenina. Se aplicó al diseño de interiores, joyas, forja, vidrio, cerámica, telas y, sobre todo, a la ilustración, que alcanzó gran popularidad gracias al invento de la litografía.
Víctor Horta
El estilo en Bélgica tiene todas
las cualidades de la cultura arquitectónica europea de finales de siglo:
liberación respecto del eclecticismo historicista, la propuesta de un nuevo
lenguaje, las nuevas exigencias sociales. A Víctor Horta se le debe la
invención del Art Nouveau, ocupa uno de los puestos más importantes dentro de
la arquitectura contemporánea. Su obra no sólo en la construcción de viviendas
se aprecia este nuevo estilo, sino que también lo aplica a otras edificaciones
que nacieron a raíz de los cambios sociales y económicos del siglo que se
vivía, viéndose aplicada en la obra que construiría entre los años 1896 y 1899.
Entre sus bras de mayor importancia tenemosd.“La Casa del Pueblo “, sede del
Partido Socialista Belga. |
| Casa Cassell |
Hector Guimard
En
Francia, desarrolló toda una sintaxis decorativa de curvas sinuosas, utilizando
para ello diferentes materiales metales diversos, cerámica y vidrio prensado,
entre otros de entre los cuales destaca el hierro forjado con el que compuso
las cancelas de motivos florales y vegetales. Guimard desarrolló un estilo muy
personal, de formas libres, sinuosas y elegantes, inspiradas en la vegetación
pero de un carácter más abstracto que figurativo, estilo que le valdría el
apodo de «Bel Hector» y con el que conseguiría convertirse en el máximo
exponente del Art Nouveau francés. Su obra más conocida fueron las bocas del
metro parisino (c. 1900), marquesinas de una fantasía desbordante fabricadas en
hierro forjado, bronce y |
| Entrada a la estación de metro Abbesses en París, obra de Hector Guimard. |
Charles Mackintosh
Proporciona versión de Art Nouveau sensiblemente diferente a la
belga. Esta consiste en una reducción progresiva a la geometría de las líneas,
de las decoraciones, de la plástica menor. Mientras que las decoraciones
pictóricas murales, los objetos pequeños, están formados por un linealismo, a
medida que pasa de estos a la arquitectura prevalece el gusto por los planos,
los volúmenes y la estructura geométrica. Podemos decir entonces que en el
estilo de MacKintosh, el espacio interior de la arquitectura y los objetos que
contiene pertenecen al dominio de la línea, del color, del juego de las tramas,
mientras que su espacio exterior tiene el rigor volumétrico. Refleja con la
volumetría la variedad de los interiores, mezcla de organicidad y abstracción.
Liberado de ataduras con lo histórico, aunque su formación había transcurrido
en el revival gótico, se decide por la geometría, por lo cúbico, los juegos de
líneas rectas y el gusto por la línea ascendente. |
| Escuela de Arte Glasgow |
Antoni Gaudi
Su arquitectura está marcada por un fuerte sello personal, caracterizado
por la búsqueda de nuevas soluciones estructurales, que logró después de toda
una vida dedicada al análisis de la estructura óptima del edificio, integrado
en su entorno y siendo una síntesis de todas las artes y oficios. Mediante el
estudio y la práctica de nuevas y originales soluciones, la obra de
Gaudí
culminará en un estilo orgánico, inspirado en la naturaleza, pero sin perder la
experiencia aportada por estilos anteriores, generando una obra arquitectónica
que es una simbiosis perfecta de la tradición y la innovación. Asimismo, toda
su obra está marcada por las que fueron sus cuatro grandes pasiones en la vida:
la arquitectura, la naturaleza, la religión y el amor a Cataluña. La casa Milá
construida en Barcelona entre 1905 y 1910, este edificio de viviendas tiene
cinco pisos.
 |
| Sagrada Familia obra mas emblemática de Gaudi |
Presenta en la planta dos grandes
patios internos, tres cajas de escaleras, y dos recintos para iluminación de
los locales de servicio. Tanto en la planta como en los alzados predominan las
líneas cóncavo convexas. El autor tiene gran capacidad para normalizar cada uno
de los ambientes conservando la sucesión de líneas ondulantes de la fachada. La
variedad de la fachada y la volumetría compleja le es permitida por su genial
uso de la técnica. La construcción se apoya en pilares de gruesos bloques de
piedra caliza y en vigas de hierro. La cubierta del edificio es una prueba más
de su inmensa imaginación y El exterior pertenece al dominio del rigor
volumétrico, de los planos que se cortan, de la uniformidad colorística, su
interior pertenece al dominio de la línea, del color, del juego de las tramas y
de los ritmos. En esta casa se ve las robustas formas, acompañadas por
delicados interiores, la síntesis de organicidad y abstracción de esta
corriente de Art Nouveau
AUSTRIA (Viena)
Joseph Maria Olbrich
 |
| Pabellón de la Secesión de Viena. |
Su rasgo más resaltante es la cúpula hecha de bronce dorado en forma de
hojarasca, la cual contrasta fuertemente con su fachada art decó. Guirnaldas de
hojas de laurel decoran el exterior, y las máscaras de las tres gorgonas
presiden la entrada simbolizando las tres formas de arte: arquitectura,
escultura y pintura. También se puede leer el lema secesionista
Bibliografía
Bibliografía
https://es.wikipedia.org/wiki/Movimiento_Moderno
http://infomadera.net/uploads/articulos/archivo_1898_17492.pdf
https://es.wikipedia.org/wiki/Modernismo_(arte)
https://www.homines.com/arte_xx/movimiento_moderno/index.htm
https://www.casabatllo.es/antoni-gaudi/
https://lifestyle.trendencias.com/arquitectura/los-diez-mejores-arquitectos-de-la-historia-moderna-estas-de-acuerdo
http://infomadera.net/uploads/articulos/archivo_1898_17492.pdf
https://es.wikipedia.org/wiki/Modernismo_(arte)
https://www.homines.com/arte_xx/movimiento_moderno/index.htm
https://www.casabatllo.es/antoni-gaudi/
https://lifestyle.trendencias.com/arquitectura/los-diez-mejores-arquitectos-de-la-historia-moderna-estas-de-acuerdo
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